La tendance aux vêtements “vintage” en tant que mode a explosé dans les années 1960. Avant cela, le commerce et le port de vêtements anciens avaient des connotations différentes. Tous les niveaux du commerce de vêtements anciens ont été bien soutenus par la vitesse croissante des changements de mode à partir des XVe et XVIe siècles, et par la croissance de la disponibilité de ces tendances pour les consommateurs.
La circonscription commerciale de la mode s’étant accrue, la croissance du commerce de vieux vêtements s’est faite de manière progressive, à mesure que la quantité de ces marchandises augmentait. Les chiffonniers d’origine récupéraient des objets dont d’autres s’étaient débarrassés et les remettaient dans le cycle économique. Par conséquent, le chiffonnier était allié à d’autres étrangers, ou à des membres de la classe inférieure.
Karl Marx devait plus tard définir la philosophie de la bohème artistique par ses liens avec cette sous-classe sociale. Les Bohémiens, pensait-il, étaient des vagabonds dont la position était caractérisée par la nécessité économique ou (surtout) par une interprétation romantique. Cette ambivalence entre nécessité et choix est essentielle à la compréhension des vêtements d’époque.
Un indicateur de statut social
Le lien entre la mode et les vêtements anciens fait de ces vêtements une indication définitive du statut social d’une personne, la ligne et le tissu d’une veste d’une époque trop récente pour être à la mode ou classique indiquent immédiatement que la personne qui la porte est issue des classes inférieures.
C’était un stigmate dont les gens étaient douloureusement conscients. L’éthique du “make do and mend” c’est-à-dire littéralement du “faire et réparer”, permettait aux classes inférieures de considérer le port de vieux vêtements comme économe et, en temps de guerre, patriotique. Cependant, c’était très spécifiquement des vieux vêtements qui étaient transmis par les familles. Il a certainement été rarement acheté. Les consommateurs de vieux vêtements étaient alors considérés comme ceux qui cherchaient à donner une impression de statut social supérieur ou encore comme des indigents et étaient donc traités, d’une certaine manière, de façon aussi suspecte que ceux qui leur vendaient les vêtements.
Avant le milieu des années 60, les vêtements anciens n’étaient pas très répandus dans les environnements de vente au détail traditionnels, les commerçants préférant les étals de marché, les ventes aux enchères ou les prêteurs sur gages comme lieu de vente. La vente au détail de vieux vêtements a été considérée sous des angles diamétralement opposés : comme une activité criminelle de blanchiment d’argent, comme une bonne pratique commerciale et, depuis l’avènement des boutiques de charité, comme un passe-temps altruiste.
La plupart des villes du Royaume-Uni disposaient de grands entrepôts qui distribuaient des vêtements d’occasion et, malgré la chute du commerce à la fin du XXe siècle, beaucoup ont encore d’importants marchés d’exportation. Avec la chute du commerce de vieux vêtements, la pratique du port de vieux vêtements a augmenté et est devenue connue sous le nom de “vintage“, passant de la place du marché à la vente en boutique.
La mode Vintage de Londres
A Londres, la robe est constamment vendue au détail comme un produit vintage depuis le début des années 1970. Les guides d’achat du milieu des années 1970 mentionnent de nombreux détaillants vintage, certains proposant une confection maison avec du tissu vintage, ce qui précède en pratique (mais peut-être pas en philosophie) le travail de créateurs tels que Martin Margiela, Russell Sage, Alice Temperley et Jessica Ogden. Cependant, cette pratique n’était pas encore considérée comme totalement acceptable, et les vêtements étaient principalement portés par des consommateurs qui remettaient en cause les mœurs et la bienséance des générations précédentes.
La dualité entre épargne et économie d’une part, et pratique subversive d’autre part, a rendu le vintage fertile et signifiait morale et pratique bohémiennes, notamment dans les années 1950 et 1960. Le style de vie hippie était positionné comme anti-consommation, ce qui se communiquait par le port de vieux vêtements. Cette interprétation s’est poursuivie au cours des décennies suivantes, comme en témoignent les prises de position politiques du Women’s Environmental Network dans les années 1990, mais aussi les travaux de designers comme Helen Storey, Komodo et, dans une certaine mesure, Vivienne Westwood et le mouvement punk.
Les tendances du XXIe siècle
La tendance du XXIe siècle pour les vêtements vintage a ses racines plus spécifiquement dans la bohème, dans la performance de l’individualité et de l’élitisme artistique (plutôt qu’aristocratique). Un certain nombre de boutiques spécialisées de Londres ont acquis un profil et un statut importants. Un certain nombre d’entre eux (Virginia, Sheila Cook, Steinberg et Tolkein) sont régulièrement crédités et cités dans les magazines de mode, et un flux constant de célébrités les énumèrent dans les questionnaires “mon magasin préféré/le secret le mieux gardé” dans les suppléments du dimanche.
Dans toute l’Europe et l’Amérique du Nord, les détaillants de produits vintage ne sont pas moins visibles pour leur domination des titres de la mode. Les propriétaires de Resurrection and Mayle (New York) et de Decades and Lily (Los Angeles), sont considérées comme d’importantes “femmes de mode” et des costumières de stars. Le renouveau du vintage aux Etats-Unis est dû en grande partie à l’image éclectique que la styliste et détaillante de vintage Patricia Fields a créée pour le personnage Carrie de Sarah Jessica Parker dans la comédie Sex and the City de HBO.
Les détaillants
Des détaillants tels que Selfridges, TopShop et Jigsaw à Londres, APC en France, et Barneys et Henri Bendel à New York ont tous suivi la tendance, en intégrant dans leurs gammes des offres ou des collections inspirées du vintage. Le port du vintage est devenu un marqueur distinctif du capital culturel et économique : c’est unique, c’est cher… et privilégie l’individu. Plus que de l’argent, c’est du temps libre qu’il faut investir dans le laborieux processus de recherche, de découverte, de restauration et de vente de vieux vêtements.
Dans la seconde moitié du XXe siècle et au-delà, ce temps libre était principalement réservé aux personnes riches ou qui exerçaient un travail flexible, donc principalement créatif. Parce que le vêtement vintage est unique, il suggère également que le porteur soit individuel, séparé du processus de manière croissante et évidemment peu profond de la mode.
Hollywood
Il est intéressant de noter que de nombreuses célébrités de Hollywood ont adopté le vintage principalement parce qu’il est en dehors de la mode, suggérant soit une philosophie anti-consumériste, soit un choix individuel. Des actrices alliées au cinéma indépendant comme Chloë Sevigny semblent avoir adopté l’esthétique “trash” pour se démarquer de la mode. Les designers protégés de Sevigny, Imitation of Christ, sont partisans d’une philosophie anti-corporative qui n’est pas différente de celle de Westwood au début des années 1970.
D’autre part, Nicole Kidman, l’une des plus grandes porteuses de vintage dans le Hollywood contemporain, a tendance à acheter chez des détaillants qui positionnent leur stock comme intemporel et culturellement précieux, ce qui met en évidence son sens du style personnel et individuel, soi-disant sincère, authentique et tout aussi intemporel que les vêtements qu’elle préfère.
Des vêtements nostalgiques
L’une des critiques les plus virulentes à l’égard du millésime est qu’il a un effet nostalgique néfaste, notamment en ce qui concerne son influence sur le design contemporain. Aux côtés des détaillants, un groupe de designers a été régulièrement attiré par les vêtements anciens, soit littéralement, en retravaillant des tissus ou des vêtements trouvés, soit indirectement, en pillant les annales de l’histoire de la mode pour créer une antiquité modernisée pour le consommateur postmoderne.
Des créateurs aussi divers que Ralph Lauren, John Galliano, Alexander McQueen, Donna Karan et Miuccia Prada sont tous connus pour avoir investi massivement dans des vêtements vintage à utiliser comme matière première. Cependant, il ne s’agit pas nécessairement d’une pratique nostalgique puisque la sélection des pièces est éclairée par le contemporain. L’essentiel n’est pas nécessairement le vêtement lui-même, mais son positionnement dans un débat et un contexte contemporains qui revigorent les souvenirs et les significations qu’il contient.
